Перспективные художники, в которых стоит инвестировать

Уже совсем скоро в школе masters стартуют образовательные программы по арт-менеджменту и истории искусства — они помогут разобраться в тонкостях как классического, так и современного искусства. А пока — основательница школы, Полина Бондарева, делится списком перспективных художников, на которых стоит обратить внимание уже в этом году.

Сергей Карев (1989 г. р.) родился в Пензе. Живет и работает в Москве и Санкт-Петербурге. Получил художественное образование в Пензенском художественном училище им. К. А. Савицкого (ПХУ), Российской академии живописи, ваяния и зодчества Ильи Глазунова (РАЖВиЗ), Институте проблем современного искусства им. Иосифа Бакштейна (ИСИ). Резидент мастерских в Милютинском переулке (2015-2016 гг.), Открытых студий ЦСИ Винзавод (2021-2022 гг.), арт-резиденции галереи FUTURO (2023 г.). Работы Сергея Карева находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.

В своем творчестве Карев исследует актуальность живописного медиума для осмысления современности и применяет в нем новый подход, опираясь на традиции академической школы. В некоторых своих работах художник пересобирает и повторяет себя: делает фотографии ранних холстов, разбирает изображение на фрагменты, печатает их в черно-белом цвете, склеивает распечатанные листы — так он реконструирует изначальное изображение, сохраняя множественные дефекты, и затем наносит новый красочный слой. Посредством работы с фактурой холста и бумаги, живописных слоев различной плотности и интенсивности цвета, Сергей Карев создает работы большого формата, пространства перехода в иное, недоступное в повседневной жизни, психоэмоциональное состояние.

Даня Пирогов (полное имя – Даниил) родился 24.06.1996 (27 лет) в Нижнем Новгороде. Получил архитектурное образование в ННГАСУ. В период с 2017 по 2022 год Даня работал как архитектор в бюро, а также создал с единомышленниками инициативный проект «Arh.Kvartirnik», направленный на формирование архитектурного сообщества. В 2018-19 гг. начал делать первые художественные работы. В апреле 2022 года полностью ушел из архитектурной практики в художественную. В сентябре 2020 создал арт-группу «6:23» совместно с художницей Катей Рыбловой.

Участник 9 сезона сезона Открытых Студий ЦСИ «Винзавод». Резидент ЦСИ «Сияние», арт-резиденции Выксы, проекта «Лето на заводе», AIR FUTURO 2023. Работы художника находятся в частных коллекциях.

В фокусе внимания Дани Пирогова находятся феномены авторской мифологии и неуместного артефакта, вот что сам художник говорит о своей практике: «‎Я обращаюсь к понятию "неуместного артефакта" — объекта, которого не должно быть согласно истории. Такие объекты служат причиной возникновения мифов, а также альтернативных исторических концепций. Этот термин тесно соседствует с темой времени и вневременности, с наличием или отсутствием связи с конкретными культурами. В процессе создания арт-объектов для меня важное значение имеет работа с материалом: бетоном, деревом, проволокой, калькой и картоном. Мне интересно раскрывать их изобразительный потенциал, использовать разные фактуры»‎.

Александра Пацаманюк — художница, превращающая хрупкое стекло в поэзию света и тени. Выпускница академии Штиглица, она избрала своим материалом не холст, а хрусталь — один из сложнейших медиумов в искусстве. Каждый объект художница изготавливает вручную в Никольске, на бывшем хрустальном заводе. Преимущественно Александра работает в практически утраченной сегодня технике гравировки — «вырезании» изображения на стеклянной поверхности при помощи специального алмазного инструмента. Часто художница вдохновляется образами фольклора и мифологии — в ее искусстве оживают архаичные образы, а само стекло становится мостом между прошлым и настоящим

Творчество Александры — это не просто возрождение редкой техники, но и смелый диалог с традицией, где каждая линия — слово, а каждый предмет — законченная история. Будучи соосновательницей резиденции «Хрусталик», она не только создает удивительные произведения, но и передает свое мастерство коллегам-художникам сохраняя хрупкое наследие искусства гравировки. Ее работы, участвующие в многочисленных выставках и ярмарках искусства, завораживают игрой света, глубиной смыслов и сложностью исполнения. Недавна Александра стала резиденткой DIDI Gallery, а также установила своего рода «рекорд» в творчестве — создала хрустальную 1,5 метровую фигуру птицы.

Евгения Тут — художница, которая превращает буквы в искусство, а пространство — в высказывание. Архитектор по образованию и экспериментатор по духу, она соединяет каллиграфию, графику и инсталляции, создавая работы на стыке визуального и текстового. Ее интересует все: от древних символов до современных способов коммуникации, и в каждом проекте она ищет новые формы диалога со зрителем. Влияние архитектуры чувствуется в ее работах — они не просто украшают пространство, а меняют его, заставляя задуматься о том, как мы воспринимаем знаки и символы вокруг нас.

Ее карьера — череда ярких проектов и признания: от участия в престижном фестивале Ars Electronica до резиденции в ГЭС-2 и номинации на премию Сергея Курехина. Работы Евгении находятся в коллекциях Государственного Русского музея, Музея «Гараж» и других институций, что без сомнения подтверждает ее статус одного из самых интересных современных художников. Живя в Петербурге, она продолжает исследовать границы и медиумы искусства: так, например, она доказывает, что письмо — это не просто текст, а мощный визуальный язык, способный говорить без слов.

Ася Заславская — яркий голос современного искусства, мастерски балансирующий на грани прошлого и будущего. Опираясь на опыт в реставрации и архитектуре, она создает многогранные работы — от тотальных инсталляций до живописи и видеоарта, исследуя материальность времени и связь эпох. Ее произведения, пронизанные иронией и глубоким социальным подтекстом, обращаются к религии, локальным мифам и личным нарративам, но главное — к эмоциям зрителя. Для Аси искусство становится диалогом, где каждый переживает уникальный опыт, соприкасаясь с ее работами.

Работы Заславской уже вошли в собрания Государственного центра современного искусства, «Винзавода» и кластера «Октава», а также в крупные частные коллекции. Ее творчество — это не просто визуальные эксперименты, а попытка зафиксировать хрупкие связи между людьми, вещами и временами, превращая зрителя в соучастника художественного исследования.

Дарья Правда — художница, чей творческий метод балансирует на грани перформанса, мифа и личного духовного опыта. Ее работы — это всегда глубоко интимные исследовательские проекты, где индивидуальные переживания переплетаются с коллективными религиозными традициями. Она создает не просто объекты или действия, а целые миры: будь то рабочий кабинет участницы кружка «шароверов» или другие артефакты, рожденные из ее художественных размышлений. Каждый ее проект — это история, рассказанная через фотографии, инсталляции и перформансы, где зритель становится не просто наблюдателем, а соучастником ритуала.

Номинант премий «Черный квадрат» и Сергея Курехина, участник V Московской биеннале молодого искусства и международных выставок, Дарья Правда остается уникальным явлением в российском современном искусстве. Ее «экспериментальный ритуализм» — это не просто стиль, а способ мышления, где личное преломляется через призму универсальных символов. Ее работы существуют вне временных трендов, предлагая зрителю не готовые ответы, а пространство для собственных интерпретаций и духовных поисков.

Алена Троицкая — художница, превращающая незримые ритмы природы в тактильные образы. В ее междисциплинарной практике наука переплетается с поэзией: исследуя цикличность времени, она фиксирует моменты ускользания — разрушение и возрождение, исчезновение и сохранение. Ее работы, будь то хрупкие скульптуры из природных материалов или медитативные видео, напоминают о том, что человек — лишь часть вечно меняющейся экосистемы. Диалог с землей, растениями и воздухом становится для Троицкой языком, на котором она говорит о нашей связи с миром, подчеркивая ее уязвимость и одновременно вечную изменчивость.

Работая на стыке инсталляции, перформанса и живописи, художница создает произведения, которые существуют в состоянии непрерывной трансформации — так же, как и процессы, которые она изучает. Ее проекты — не просто размышления о природных циклах, а попытка переосмыслить место человека в этой динамике. Через призму искусства Троицкая предлагает зрителю замедлиться и почувствовать пульс времени, который бьется в опадающем листе, тающем льде или прорастающем семени.

Наталья Чобанян — художница из Тбилиси, которая превращает повседневность в медитацию. Уже долгое время работая в Москве, она исследует хрупкие моменты жизни, замедляя время с помощью фресок, цианотипии и керамики. Ее произведения — не просто объекты искусства, а пространства для созерцания, где размытые лица и мягкие формы заставляют зрителя всматриваться в себя. Используя древнюю технику фрески аль секко, Наталья соединяет архаику с современными сюжетами, а многослойный процесс создания каждой работы становится частью ее философии — искусство как пауза в беге времени.

Ее проекты выставлялись в Музее Москвы, ММОМА и на ярмарках BLAZAR и Cosmoscow, а персональные выставки в Masters и галерее «Взор» подтвердили ее статус яркого голоса нового поколения художников. Ее искусство не кричит, а шепчет — но именно этот тихий диалог оказывается самым запоминающимся.

Выпускница академии Штиглица, Анастасия Андреичева работает с керамикой, фарфором и авторскими техниками, создавая объекты, которые балансируют на грани материального и мимолетного. Ее работы — не просто сосуды или скульптуры, а визуальные размышления о том, как мы воспринимаем реальность. Природа в ее интерпретации становится метафорой человеческого опыта: полупрозрачность фарфора напоминает о непостоянстве, а пластичные формы — о непрерывной трансформации жизни.

Используя технику пласта и ручной лепки, Анастасия добивается удивительной выразительности — ее работы словно застывшие мгновения, готовые рассыпаться или продолжить движение в воображении зрителя. Через игру фактур, оттенков и света она предлагает каждому найти в ее искусстве личный смысл, превращая выставку в пространство для тихого диалога с самим собой.

Родившись и работая в Санкт-Петербурге, Мария Ермоленко сочетает профессиональный взгляд реставратора живописи с экспериментальным подходом современного искусства. Ее долгосрочные проекты, созданные на стыке фотографии, графики и инсталляций, погружают зрителя в атмосферу магического реализма — где повседневность обретает новые смыслы, а природа и человек ведут безмолвный диалог. Публикации в авторитетных изданиях — Burn mag и Analog mag и других, а также попадание в шорт-лист премии Fujifilm Young Talent Award подтверждают: ее визуальный язык находит отклик далеко за пределами галерей.

Основав журнал Grandmama’s print, Мария не только создает искусство, но и формирует пространство для диалога о современной фотографии. Ее работы — будь то сюрреалистичные снимки, тонкие графические зарисовки или тактильные инсталляции — всегда о памяти, связи времен и хрупкости моментов. В них есть та самая «магия», которая рождается, когда документальность встречается с художественным вымыслом, а личный опыт становится универсальной историей.

Анна Слобожанина работает с инсталляциями, керамикой и мультимедиа, погружая зрителя в пространство снов, обрядов и ускользающих явлений. Ее работы — это исследование «изнанки» бытия: через хрупкие фарфоровые формы, напоминающие капли или слезы, через пунктирные узоры на керамических сосудах, через тонкие керамические «шкурки», покрывающие предметы, она раскрывает поэтику исчезновения и памяти. Особое место в ее практике занимают образы северных территорий, переосмысленные через призму современного искусства.

Параллельно с художественной практикой Анна развивает бренд интерьерной керамики Lumi uni, где ее авторский стиль находит новое воплощение в предметах для повседневной жизни. Работая преимущественно с неглазурованным бисквитным фарфором, она наделяет этот материал удивительной выразительностью — в ее руках он становится то тонкой пеленой, то монументальной формой, сохраняя при этом трепетную хрупкость.